Русская классика в зарубежной обработке: как иностранные режиссеры трактуют пьесы российских драматургов

Почему зарубежные режиссеры обращаются к произведениям российских классиков

Зарубежная театральная традиция формировалась под влиянием разных культур, эпох и школ. У каждой страны появились свои особенные черты. Например, творцы Великобритании часто обращаются к опыту других стран, но всегда сохраняют собственное колоритное ядро. Франция искусно соединяет и синтезирует идеи, создавая произведения на стыке традиций. В Германии принято передавать свои концепции через призму национальных ценностей — социальных, политических или моральных.

Российские артисты, режиссеры и драматурги, которые гастролировали или эмигрировали за рубеж в разные исторические этапы, вливаясь в творческую среду, вносили свое видение театра. Американская актерская школа, например, строится на идеях Константина Станиславского.

Пьесы Антона Чехова, интерпретации произведений Федора Достоевского и Льва Толстого можно встретить в афишах театров самых разных стран. Для многих западных и американских режиссеров Россия — это страна с загадочной душой и сильной театральной школой. Работать с ее наследием — своего рода творческий вызов.

Массово российские пьесы начали ставить за границей в начале XX века: до этого мир не мог оценить глубину текстов классиков из-за отсутствия качественных переводов.

Зарубежные постановки по произведениям Антона Павловича Чехова

Драматургию Чехова за рубежом ценят наравне с Шекспировской. Так было не сразу — читатели долго привыкали к его психологизму, сложным героям, отсутствию “яркого” действия, никакой буффонады — настоящая жизнь. Прочувствовали чеховский текст, который раскрывает душу, в начале XX века. Сегодня его пьесы ставят в самых разных странах: от США до Японии.

«Чайка» | реж. Джордж Колдерон (Шотландия, 1909)

Впервые «Чайка» заговорила по английски в Глазго, в театре Royalty. В конце XVIII века журналист Дж. Колдерон прибыл в Россию изучать язык. Жадный до знаний, он много читал, погружался в культуру и историю. В это время Чехов был на пике популярности.

Колдерон не смог пройти мимо книг актуального автора, зачитывался его рассказами. Поразила Джорджа и драматургия Антона Павловича. Вернувшись домой он взялся за перевод «Чайки» и «Вишневого сада» — по его мнению в этих произведениях вся суть чеховского таланта, две крайности его литературы. Легкость бытия — в «Чайке». Русская строгость — в «Вишневом саде».

После переводов Колдерон решил попробовать себя в роли режиссера и создал постановку по мотивам «Чайки». В антрактах оркестр играл русскую музыку. Спектакль шел почти три часа.

Колдерон понимал, что в этой истории важна не экспрессия, свойственная шотландскому театру того времени, а атмосфера и слаженность команды: никто не должен быть главным. В его постановке герои изнемогали от жары и скуки, были настоящими людьми — вытирали пот со лба и прятались “в тень”.

Постановка не имела оглушительного успеха — зрители не понимали, почему в афише спектакль прозвали комедией — однако вызвала внимание тех, кто искренне интересовался театром.

«Чайка» | реж. Кэти Митчелл (Великобритания, 2006)

Кэти Митчелл одна из самых известных британских режиссеров современности. Она фанатка метода Станиславского. Требует от артистов долгих репетиций и подготовки. Ее спектакли идут на многих сценах мира, но чаще всего Кэти работает с Королевским театром в Лондоне.

На его сцене Кэти создала постановку в своем, особом прочтении «Чайки» — многие приверженцы классического театра называют режиссера вандалом, за то, как она трансформирует тексты, оголяет смыслы, которых авторы не подразумевали.

Ее герои «Чайки» танцуют латиноамериканское танго в мрачном пространстве сцены. От пьесы Чехова остались разве что имена персонажей, все остальное будто части другой истории. По мнению многих британских критиков этой постановки недостает “русскости”, того, ради чего зрители идут смотреть Чехова. Однако они же отметили, что Митчелл удалось сделать чеховскую историю совсем непохожей на прежние режиссерские вариации.

Митчелл именно этого и хотела — сбежать от образа высокопарного прошлого, актуализировать чеховскую драматургию для дня сегодняшнего.

После провальных показов в Британии Кэти воссоздала постановку в Дании, с местными артистами. И там спектакль получил престижные награды, был признан лучшим на фестивалях.

«Три сестры» | реж. Деклан Доннеллан (Великобритания, 2005)

«Три сестры», наверное, самое известное произведение Чехова в Европе. Пьеса было впервые напечатана в 1901 году, почти сразу ее перевели на немецкий и уже на следующий год жители Берлина увидели первый спектакль.

Британский режиссер Доннеллан в своей постановке акцентировал внимание на семейных узах и отчуждении. Этот спектакль он создал для фестиваля чеховской драматургии во Франции.

Его сестры живут в мире, почти лишенном декораций, и будто в безвременьи. Все что есть на сцене — идеально белое, стерильное. Герои в этом мире сцены будто скованы их реальностью, ограничены в выборах и передвижениях. И персонажи — которых играют московские артисты — в этой скованности будто торопятся высказаться. Но не услышать.

После показов в Париже, которые прошли не с большим, но успехом, донеллановских «Трех сестер» представили московской публике. В России постановку не оценили, почитали слишком скучной: после антракта стало больше пустых кресел.

«Три сестры» | реж. Саймон Стоун (Швейцария, 2017)

В этом спектакле от Чехова — только название. Текст пьесы полностью переписан режиссером. Имена почти всех персонажей изменены.

У спектакля Стоуна сериальное повествование, у героев большой бэкграунд — вне сцены они прожили целую жизнь. Режиссер оголяет интимную жизнь героев, но их свобода в выборе половых партнеров вовсе не делает их счастливыми, а наоборот — все они потеряны в своей слишком обыденной жизни.

В Европейской реальности переезд в столицу — не мечта миллионов. Эту линию в истории Стоун стирает совсем. Дом, костюмы, антураж — все современное. Персонажи живут каждый в своей квартире, а вместе собираются лишь изредка.

Спектакль был отмечен на фестивале в Берлине, позже “пересобран” с новыми актерами на сцене парижского «Одеона». В России постановку представили в 2019 в рамках Russian case фестиваля «Золотая Маска».

«Вишневый сад» | реж. Лев Додин (Россия/Европа, 2014)

Все верно, Лев Додин — российский режиссер. Однако его «Вишневый сад» собрал овации жителей множества стран.

Премьеру показали в Петербурге в 2014. В ролях — звезды МДТ: Данила Козловский, Ксения Раппопорт, Елизавета Боярская и другие.

После премьеры в культурной столице — Милан, Бухарест, Париж, Бруклин, Нью-Йорк. Знаменитые критики делились впечатлениями в лучших таблоидах мира. И все они отмечали, что Додин создал постановку, которая звучит на русском (с субтитрами), но будто бы на всех языках мира.

Это было второе обращение Льва Додина к «Вишневому саду». Между спектаклями двадцать лет.

На этот раз Додину удалось отыскать в известной всем пьесе грани, которые никто не замечал. Спектакль будто бы говорит на языках всех культур, но не теряет характерного чеховского звучания и мудрости.

«Вишневый сад» | реж. Кэти Митчелл (Германия, 2022)

Да, снова Митчелл. Не удивляйтесь — Кэти большая фанатка Чехова, она создала семь постановок по его произведениям в разных театрах мира.

Наверное, это самая необычная интерпретация Чехова. Главный персонаж постановки — сад! Кэти актуализирует пьесу XIX века, внося в нее тему проблемы изменения климата.

На сцене растянут экран, где в течение всей постановки зрители видят, как сменяются времена года в вишневом саду. Актеры читают тексты в стеклянных боксах. В финале — звучит пила. А текст и музыка будто перематываются к началу.

Текст к постановке создал Саймон Стивенс — с ним Кэти работала не первый раз. Режиссер давно просила драматурга перевести для нее «Вишневый сад». В полотно пьесы вплетены отрывки из произведений молодой писательницы из Великобритании Дон Кинг.

Сначала постановка была создана в Лондоне, но зрители театра «Янг Вик» действо не оценили. Тогда Митчелл подумала, что ее радикализм будет хорошо смотреться в театре Германии и перенесла постановку в Гамбург, в театр Deutsches Schauspielhaus.

«Платонов» & «Иванов» | реж. Иво ван Хове (Бельгия, 2011)

Известный бельгийский режиссер создал на сцене театра в Голландии спектакль «Русские». В пьесе объединены два произведения Чехова: «Платонов» («Безотцовщина») и «Иванов», а также в повествование вплетены выжимки из писем Антона Павловича, цитаты из других пьес рассказов и некоторые мысли других писателей.

Героев разных текстов поместили в современный американский мегаполис. Сцена — бетонные джунгли, с яркими граффити и мерцающими неоновыми вывесками.

Если герои Чехова всегда живут в предлагаемых обстоятельствах, то в этом спектакле они сами эти обстоятельства выбирают. Выбирают быть нелюбимыми, оставаться там, где плохо, ничего не менять, даже если могут.

Спектакль длится почти шесть часов. Строится на психологизме, затрагивает все страхи нынешних европейцев, анализирует современное общество. Но где в этой истории русские — где-то между строк.

Это второе обращение бельгийца к Чехову. За восемь лет до этой постановки он создал спектакль по мотивам «Трех сестер», но тогда он был недоволен результатом, в то время у него не было тяги к произведениям Антона Павловича. Однако спустя годы, перемены в культуре и политике в Голландии он разглядел в пьесах Чехова актуальность его современности.

«Дядя Ваня» | реж. Сэм Йейтс (Великобритания, 2023)

Сэм Йеймс превратил пьесу Чехова в моноспектакль.

Текст к постановке написали Саймон Стивенс: он же создавал адаптацию для «Вишневого сада» Кэти Митчелл. Стивенс множество раз брался за переосмысление Чехова и называет его своим любимым автором.

Помогал Стивенсу исполнитель всех восьми ролей в спектакле Эндрю Скотт. В России он известен, как Мориарти в сериале о Шерлоке Холмсе от BBC. В Британии же он популярная звезда кино и театра.

Спектакль «Ваня» — так его назвали в афише — встрепенул культурную жизнь Лондона. За билетами выстраивались в очередь.

Здесь Дядя Ваня и другие герои живут в ирландской деревушке. Это та постановка, перед которой нужна подготовка, чтобы лучше уловить суть. Эндрю Скотт весь спектакль в одном наряде, даже кулисы отсутствуют — спрятаться негде. Он не меняет голоса, но тонко меняет настроения.

Критики и журналисты сошлись во мнении, что интерпретация удалась. Хоть некоторые таблоиды и критиковали постановку за сокращение текста и вольности Скотта в подаче характеров персонажей, но зрители массово остались в восторге.

«Дядя Ваня» | реж. Лила Нойгебауэр (США, 2024)

Режиссер переносит действие не в былую Россию девятнадцатого века — с самоварами, свечами и телегами, — а в современную Америку. С джинсами, пластиковыми бутылками и рюкзаками кислотных цветов.

Несмотря на новизну декораций, суть чеховской истории остается пугающе прежней. Актуальной. Люди все также рушат окружающий мир; женщины столетиями борются за свои права; артисты, художники, мыслители — все еще не могут позволить себе жить в мегаполисе. Каждый человек продолжает сожалеть об упущенных возможностях. Их сожаление не литературно. Это усталость, доходящая до края. Когда смерть кажется не ужасом, а облегчением.

Главную роль — дядю Ваню — в этой постановке играет звезда Голливуда Стивен Карелл, известный по сериалу «Офис», фильму «Сорокалетний девственник» и множеству других проектов.

В этой мрачной истории и российской глубинке режиссер и актеры сумели отыскать свет. Где? В самых, казалось бы, безнадежных моментах. Там, где человек стоит на грани отчаяния, и вдруг — искусство. И оно, вопреки всему, поднимает. Открывает второе… третье дыхание.

И эта постановка 2024 года подтверждает актуальность Чехова во все времена.

«Борис Годунов» Александра Пушкина в зарубежных поставках

Интерес к «Борису Годунову» за пределами России — не просто дань уважения Пушкину или Мусоргскому. Это стремление постичь сложную русскую историю, психологическую драму власти, вину и одиночество, воплощенные в судьбе одного человека. Зарубежные режиссеры, каждый по-своему, заново открывают это произведение: кто-то обращается к классической мощи оперы, кто-то — к политической символике текста, кто-то — к современной метафоре. От Италии до Великобритании «Борис Годунов» звучит на других языках, но сохраняет главное — трагическую суть и мощь русской души.

Находясь в ссылке в Михайловском Пушкин зачитывался «Историей государства Российского». Под вдохновением от истории государства он и написал и была написала свою «Комедию о царе Борисе и о Гришке Отрепьеве». Закончил он свое произведение в 1825. Он гордился своим творением!

Но вот парадокс — та самая драма, столь горячо любимая своим творцом, была обречена остаться, на долгое время, не услышанной и непризнанной. Николай I, не просто государь, но и цензор Пушкина, выносит вердикт. Не одобряет — рекомендует переписать. Но даже после “исправлений” к публикации не допускает.

Произведение будет издано лишь спустя пять лет. А в театре оживет через десятилетия. С 1866 разрешено было ставить лишь несколько отрывков. Запрет был снят лишь в 1917 года, после революции.

«Борис Годунов» в «Ла Скала» | реж. Каспер Хольтен (Италия, 1909)

В зимний вечер 1909 — «Ла Скала» — на подмостках одного из самых великих театров мира и впервые в Италии прозвучала опера Модеста Мусоргского «Борис Годунов».

На итальянском, что уже само по себе удивительно, почти экзотично. И — главное — в роли царя Бориса выходит сам Федор Шаляпин. Гений живой драмы и звука. Внутренний разлад, власть, одиночество, страх — все это звучит в его голосе, в его молчании. Милан аплодирует стоя.

Так родилась европейская судьба русского царя на сцене Запада. Сила русского голоса, драма русской души — и слава, слава, переходящая границы, языки, стили.

«Борис Годунов» | реж. Юрий Любимов (Италия, 1979)

На рубеже 80-х прошлого столетия Юрий Любимов вступает в открытое противостояние с партийным руководством СССР. Причиной — не единственной, но знаковой — становится память о Владимире Высоцком. Власти запретили постановку в театре на Таганке.

А после — запретили и «Бориса Годунова» созданную Любимовым.

Однако в Миланском «Ла Скала» взгляды именитого режиссера на свободу творчества поддерживали. Именно там, в 1979–1980 годах, начинается новая глава. К тому же с Любимовым они уже знакомы — в 1975 он создал в театре постановку «Под жарким солнцем любви».

И вот маэстро Клаудио Аббадо обращается к нему с предложением: поставить «Бориса Годунова» Мусоргского к открытию сезона.

Любимов берется за постановку. Вместе с художником Давидом Боровским они идут против ожиданий. Вместо традиционной, тяжеловесной парадности — минимализм. Строгость. Лаконичность. В центре не мишура, а трагедия. Внутреннее движение.

Критики и зрители были в восторге. «Борисом» отношения Любимова с Италией не закончились и были настолько плодотворными, что администрация театра, после смерти режиссера в 2014 отметила, что он сильно повлиял на то, как развивался и жил «Ла Скала».

«Борис Годунов» | реж. Грэм Вик (Россия, 2012)

Упомянем еще одну, весьма дерзкую, интерпретацию, которую для Мариинского театра создал выдающийся британский режиссер Грэм Вик. Для него это далеко не первое соприкосновение с русской музыкальной классикой. Зрители Мариинки с ним знакомы.

Для нового спектакля Грэм Вик обратился к музыкальной редакции 1869 года. Той, где многие главы отсутствуют. Семь картин. Все — предельно сжато, концентрированно.

Грэм Вик, очевидно, глубоко и внимательно изучал контекст. Не только текст пьесы, но и историю России, с акцентом на новое время.

Вик переносит действие в XXI век. В современность. На сцене не боярская дума и царская палата, а пространство где-то на границе времен — между исчезновением с карты СССР, и тревожным, шатким рождением новой России. Это граница — не только географическая, но и психологическая, культурная.

Смелость? Безусловно. Более того — редкая, острая, режущая глаз и сознание.

В этой постановке — множество уровней, смыслов, подтекстов, иногда едва заметных, почти на уровне интуиции. Зрителю не дают готовых ответов — его, скорее подталкивают задуматься.

Балет в Поднебесной: как в Китае переосмыслили традиции русского танца

Русская балетная школа признана во всем мире. Артистов приглашают лучшие мировые театры, гастроли — всегда с аншлагами. О том, что легендарные постановки любят в Европе и Америке было сказано тысячи раз. Мы же хотим поделиться историей интерпретаций в Поднебесной.

Балет, как искусство, в Китае не родился — он прибыл, пересек границы в начале XX века. Его занесло ветром перемен, революций, эмиграций — вместе с русскими артистами, покинувшими родину после октябрьских событий 1917.

Однако искусство, хоть и вызвало восторг, но прижилось не сразу. Попытки основать балетные школы были скорее энтузиазмом отдельных людей, чем общенациональным движением.

Однако перемены — дело времени. В 1959 году, уже после основания Китайской Народной Республики, была создана первая в стране профессиональная труппа — Национальный балет Китая. На сцену вышли не только танцовщики, но и идеи, политические аллегории, революционные сюжеты.

Постепенно в хореографию стали вплетаться элементы национального колорита.

«Лебединое озеро» | реж. Петр Гусев (Китай, 1957)

Пекин, зима, третья четверть XX века. В одном из залов столичного института искусств — тишина. Это затишье перед бурей — открытием первой в стране балетной труппы нового типа.

Команды артистов собралась под крылом мастера — Петра Гусева. Он не просто обучал — он конструировал новую художественную вселенную. Первый спектакль — «Лебединое озеро». Эталон, без которого балет невозможно представить.

Бай Шусян, хрупкая и точеная, словно вытканная из ветра, исполняла двойную партию Одетты и Одилии. Этот выбор — и эстетический, и педагогический. Гусев понимал: эта постановка — экзамен. Пройти его — значит выйти из тени ученичества. Получить “диплом” от зрителей и критиков.

На премьере все было иначе. Даже балетные пачки был сшиты не из легкого тюля, а из мешковины. Заказанные костюмером ткани пришли бракованными. Премьера уже была назначена — пришлось работать с тем, что было. А были только мешки.

Китайская публика впервые увидела балет и испытала культурный шок. Костюмы казались слишком откровенными, движения — слишком телесными. Зрители смущались. Отводили глаза.

Смущение быстро сменилось восхищением. Вскоре сцена, на которой плавали тонкие лебеди, стала ареной для новых образов. Изящность уступила место героике. Пачки — шинелям. Балет встал на службу государству.

«Лебедь» | реж. Жао Минг (Китай, 2004)

Элементы китайских боевых искусств, сложная акробатика и легкость балета. Адаптация «Лебединого озера», которую создал Жао Минг лишь отдаленно напоминает классическую постановку.

Музыку Петра Чайковского тоже используют фрагментарно, Цзи Янфэн переосмыслил звучание, добавил китайские мотивы.

В тот момент, когда принцесса-лебедь — по всем канонам — должна была бы пасть в спасительные объятия своего возлюбленного, она… нет, не падает. Она застывает в идеально выстроенной арабеске — на его голове. Это не метафора. Это кульминация акробатической симфонии, рожденной в недрах Гуанчжоу.

Эти артисты создали совершенно новый и сложный балет, который они исполняют с удивительной легкостью — балет на плечах. Танцовщицы впивают носки пуантов в плечи партнеров. Все началось с пробного этюда. Тогда это воспринималось как трюк, игра, которая привела эту труппу к мировой известности.

Артисты успели побывать с этим спектаклем в Европе, в России. Всюду — удивление, восхищение, и легкое культурное замешательство. В постановке много юмора и сатиры: в сцене четырех маленьких лебедей — вместо хрупких девушек, отплясывают акробаты в костюмах лягушек. Стоя на руках и рассекают ногами воздух.

Так рождается не просто новая постановка. Так рождается новый жанр. Где балет — это не священный музейный экспонат, а гибкий инструмент, готовый к диалогу с другими культурами, другими телами, другими способами двигаться и рассказывать.

«Встреча Нового года» | реж. Жао Минг (Китай, 2004)

В Поднебесной традиции плотно переплетаются с мифами, а постановки проживают адаптацию и трансформацию, чтобы быть понятыми местным зрителем.

31 декабря жители Китая не готовят салатов, потому балету «Щелкунчик» они дали новое имя — «Встреча Нового года», чтобы сразу обозначить тематику. Здесь тоже есть праздник, чудо, преображение. Но — на этом сходства, пожалуй, и заканчиваются.

Вместо привычных Маши и Миши на сцену выходят герои с именами, звучащими почти как головоломка: Юаньюань и Туаньтуань. Все действо — сон девочки Юаньюань. В ее сновидении, нет армии мышей и оловянных солдатиков, а есть нечто. На ее пути встает родной брат, но в образе зверя. Он — Нянь: китайский символ страха, приходящего в момент смены года. Щелкунчик же здесь становится человеком. Спасение приходит в образе журавля — Сяньхэ. Он прекращает битву и превращает девочку в птицу, которая улетает вслед за спасителем в волшебную страну — королевство фарфора.

И вот тут начинается настоящее волшебство. Вместо снежинок — танец журавлей: плавный, величественный, словно ветер над рисовыми полями. И вот Юаньюань просыпается. Она вручает Щелкунчика брату, словно делится кусочком чуда.

Вот так — очень по-разному — российская классика шагает по мировым сценам. Глубина и универсальность тем — драматургия затрагивает вечные вопросы: власть, любовь, моральный выбор, одиночество, конфликт личности и общества. Эти темы актуальны в любой стране.

Сложность и многогранность персонажей дает актерам и режиссером в каждой точке планеты простор для глубокой работы, переосмысления и представления собственного видения.